Em comemoração aos 70 anos do icônico monstro Godzilla, este emocionante filme leva os fãs a uma aventura inédita, marcando o retorno da marca Godzilla à Toho, produtora japonesa que lançou o primeiro filme em 1954, e que foi considerado um sucesso e principal expoente do gênero no país. Desde então, o monstro se tornou um importante ícone da cultura pop mundial.

Em GODZILLA MINUS ONE, somos levados ao Japão após a segunda guerra mundial. E é neste cenário, de uma nação em ruínas e escombros, que o Godzilla aparece para acabar de vez com tudo, justificando o título do filme “Minus One”: do zero ao negativo. Assim, os últimos habitantes vivos da ilha devem enfrentar um último desafio: lutar contra o monstro e sobreviver. Com 125 minutos de duração, o filme é o mais longo da franquia junto com “Final Wars” (2004).

Na época de lançamento do filme no Brasil, o presidente da Sato Company, Nelson Sato, relata que foi “um privilégio lançar GODZILLA MINUS ONE no Brasil” e conta que a Sato é atualmente a única distribuidora na América Latina que obteve essa permissão.

Nelson destaca ainda que “GODZILLA é um personagem icônico, símbolo do Japão. MINUS ONE, em especial, tem um roteiro único, sensível e muito crítico. A ficção narra parte da história do Japão do pós-guerra e as dificuldades que o povo japonês enfrentou nesse período. Tenho convicção de que quem assistir a este incrível filme, sairá emocionado.”

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Hayao Miyazaki recebe seu segundo Oscar de Melhor Filme de Animação na sua longa e grandiosa carreira. O primeiro foi em 2003, com “A Viagem de Chihiro” e, 21 anos depois, sua segunda estatueta veio com O MENINO E A GARÇA. Assim como foi no início dos anos 2000, o diretor não compareceu na cerimônia deste ano, em Los Angeles.

Além de vencer uma estatueta no Prêmio da Academia, o filme foi prestigiado como Melhor Filme de Animação no Globo de Ouro, no BAFTA e no New York Film Critics Circle Award.

Ganhador de duas estatuetas do Oscar, Hayao Miyazaki é considerado uma lenda viva da animação e do cinema japonês. Entre seus filmes estão, também, Meu vizinho Totoro, O castelo encantado, Vidas ao Vento, Ponyo: Uma Amizade que Veio do Mar e Lupin: The Castle of Cagliostro (esse último também da Sato Company).

A produção do longa se iniciou em 2016, segundo o produtor Toshio Suzuki. Na ocasião, Miyazaki havia anunciado sua aposentadoria, mas abandonou a ideia para desenvolver esse projeto, que causou muita curiosidade em seu anúncio já que o diretor manteve um grande segredo sobre o nome e a sinopse do longa.

O MENINO E A GARÇA é uma fantasia cujo roteiro é assinado pelo mesmo diretor, e apesar de se referir ao romance homônimo de 1937, de Genzaburō Yoshino, é uma história original, que tem como protagonista Mahito Maki, um garoto de 12 anos, que vive no Japão de 1943, durante a Guerra do Pacífico.

Após a morte de sua mãe, seu pai se casa com a irmã mais nova dela, e se mudam para a casa dela no campo. Nesse ambiente, Mahito conhecerá uma garça cinza que o levará a uma torre misteriosa, onde viverá uma jornada na qual descobrirá a verdade sobre si mesmo.

O roteiro é, assumidamente, baseado em experiência do próprio Miyazaki em sua infância, e entre as mensagens do longa está a possibilidade da paz entre as nações num mundo marcado pelo conflito.

De acordo com o The Japan Times, O MENINO E A GARÇA ressalta a importância das crianças, das novas gerações, em superar os erros e as guerras do passado, forjando um futuro melhor, de mais compreensão e reciprocidade.

Em sua estreia nos EUA, no dia 8 de dezembro, o filme ficou em primeiro lugar nas bilheterias, arrecadando US$ 10 milhões de bilheteria no primeiro final de semana e foi lançado na mesma semana que Godzilla Minus One, também da Sato Company, que ficou em terceiro lugar. No Japão, a produção conquistou US$ 54 milhões, tornando-se o terceiro maior lançamento do ano.

O MENINO E A GARÇA segue nos cinemas e será exibido por todo mês de março no Sato Cinema.

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A história é emocionante e atemporal, ingredientes que fizeram de “Avatar” um dos maiores sucessos do cinema de todos os tempos e, não à toa, indicado em nove categorias do Oscar, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor. O filme conquistou três estatuetas: Melhor Fotografia, Melhor Design de Produção e Melhores Efeitos Visuais. Confira outras curiosidades sobre a produção:

Idealizado por James Cameron 14 anos antes 

Em uma vídeo-reportagem sobre os bastidores de “Avatar”, realizado pela 20th Century Studios Espanha em 2010, o produtor Jon Landau conta que “há 14 anos, Jim teve um sonho em que viu Pandora”.

A espera pela tecnologia certa para iniciar a produção

James Cameron escreveu um esboço do roteiro em 1995, já com todos os personagens, animais e cenários. Mas ele contou que, naquele momento, ainda era um sonho realizar o longa: “Naquela época, não era possível fazer o que eu queria fazer”, afirmou em uma reportagem. O diretor, então, teve que esperar que a tecnologia de efeitos especiais alcançasse o ponto de evolução para seguir o roteiro que ele havia escrito.

Foi em 2005 que Cameron retomou o projeto para iniciar a produção. “Eu tirei o roteiro da gaveta, tirei o pó, li novamente e disse para mim mesmo: ‘Esta história não é tão ruim’. É um filme que eu iria ver”, lembrou o diretor ao falar sobre como tudo começou. “Avatar” estreou oficialmente em 2009 nos Estados Unidos e no Brasil, sendo exibido também na Rússia, China, França, Reino Unido, Alemanha, Coreia do Sul, Austrália, Espanha, entre outros locais do mundo.

Artistas de renome mundial para criar Pandora

“Contratamos uma série de artistas de efeitos visuais (fotografia, animação, CGI) de sucesso mundial, profissionais de qualidade e prestígio, que impressionam pela qualidade do trabalho”, disse Cameron. Rick Carter, o diretor de arte, acrescentou um comentário sobre Cameron: “Não foi um mundo que ele inventou na hora, foi algo que ele viu e nos relatou em detalhes”.

Produção cinematográfica revolucionária em Hollywood

 “Uma das coisas que ninguém pode tirar de mim é o fato de ter feito parte de uma experiência revolucionária em Hollywood”, confessou a atriz Zoe Saldana, que participa do filme no papel de Neytiri. “Sempre tentamos ultrapassar os limites e inovar. Desta vez, tentamos ultrapassar os limites e isso foi bem difícil, mas continuamos tentando e demorou muito, porque o resultado é diferente de tudo que vimos antes”, afirmou Cameron em entrevista sobre os bastidores do longa.

“Avatar” é o filme vencedor do Oscar de maior bilheteria de todos os tempos

“Avatar” é uma produção que marcou a história do cinema de várias maneiras, mas também por ser a produção que arrecadou a maior bilheteria de todos os tempos. O faturamento total chegou, atualmente, em 2 bilhões e 847 mil dólares, segundo a revista Screenrant. O filme foi indicado a nove Oscar® em 2010 e ganhou três: Melhor Direção de Arte, Melhor Fotografia e Melhores Efeitos Especiais.

A magia de Avatar nos parques Disney

Das maravilhas das montanhas flutuantes ao brilho da bioluminescência da lua, a terra de Pandora ganhou vida em maio de 2017, no Disney’s Animal Kingdom do Walt Disney World Resort. Ali, os fãs podem experimentar a magia da natureza, tal como foi criada em “Avatar”. Nos últimos cinco anos, pessoas de todo o mundo puderam ver como seria a vida em outro planeta e ter um pouco da sensação do emblemático filme.

A língua falada pelos Na’vi foi criada inteiramente do zero

James Cameron contratou o linguista Paul Frommer para ser o responsável pela criação da língua Na’vi. O especialista inventou centenas de palavras que até hoje são usadas pelos fãs do filme.

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Sinopse: No exuberante mundo alienígena de Pandora vivem os Na’vi, seres que parecem ser primitivos, mas são altamente evoluídos. Como o ambiente do planeta é tóxico, foram criados os avatares, corpos biológicos controlados pela mente humana que se movimentam livremente em Pandora. Jake Sully, um ex-fuzileiro naval paralítico, volta a andar através de um avatar e se apaixona por uma Na’vi. Esta paixão leva Jake a lutar pela sobrevivência de Pandora.

Escrito e dirigido pelo vencedor do Oscar^® James Cameron, “Avatar” é estrelado por Sam Worthington, Zoe Saldaña, Stephen Lang, Michelle Rodriguez e Sigourney Weaver. O filme foi produzido por James Cameron e Jon Landau. Indicado em nove categorias do Oscar^®, incluindo Melhor Filme e Melhor Diretor, o filme conquistou três estatuetas: Melhor Fotografia, Melhor Design de Produção e Melhores Efeitos Visuais.

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Com direção e roteiro do premiado cineasta Zhang Yimou(“Herói“, “O Clã das Adagas Voadoras” e “A Maldição da Flor Dourada“), duas vezes indicado ao Oscar e vencedor de dois prêmios Bafta por “Tempo de Viver” (1994) e “Lanternas Vermelhas” (1991), o seu novo filme se passa no estado de Manchukuo, na década de 1930, quando quatro agentes especiais do Partido Comunista, após retornarem à China, embarcam em uma missão secreta. Vendido por um traidor, o grupo se vê cercado por ameaças por todos os lados.

O elenco principal conta com Zhang Yi, Yu Hewei, Qin Hailu, Zhu Yawen e Liu Haocun.

Dados:

LUTA PELA LIBERDADE
China – Hong Kong | 2021 | 120 min. | Drama – Suspense

• Título Original: Cliff Walkers | Xuan Ya Zhi Shang
• Direção: Zhang Yimou
• Roteiro: Zhang Yimou, Yongxian Quan, Yiran Pan
• Elenco: Zhang Yi, Yu Hewei, Qin Hailu, Zhu Yawen, Liu Haocun
• Distribuição: A2 Filmes

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Dando sequência aos eventos do CCXPverso, o Omelete Company anuncia para o dia 14 de julho a CCXP Awards, a maior premiação da cultura pop do Brasil. O evento acontecerá em São Paulo e irá celebrar os melhores produtos nacionais e internacionais em várias artes como games, filmes, séries, livros, quadrinhos e criadores de conteúdo. A novidade conta com o pioneirismo em solo nacional de premiar diversos artistas, produtores e empresas em múltiplas categorias. Para Roberto Fabri, VP de Conteúdo e Marca da CCXP, o CCXP Awards se posiciona como uma evolução dos tradicionais prêmios, já presentes em território nacional, e unifica a paixão pela cultura pop dentro dos diferentes públicos, faixas etárias e vertentes.

“Um prêmio que celebra a cultura e principalmente a cultura pop, e já nasce como a maior premiação do gênero no Brasil. Essa é a definição da CCXP Awards. Um prêmio o qual foca no reconhecimento da produção de conteúdo nacional em diferentes categorias”, explica Fabri. O executivo destaca ainda que a cerimônia seguirá moldes estabelecidos por grandes eventos como o Oscar, Festivais de Cannes e o The Game Awards.

Com um total de 36 prêmios, o evento tem a previsão de duração de 2h30, excluindo alguns momentos como Red Carpet, homenagens e shows. A transmissão total do conteúdo, envolvendo a CCXP Awards, está estimada a ultrapassar 6 horas e poderá ser conferida no site e redes sociais do Omelete, contando com todo o time de apresentadores na cobertura. O comando do evento será conduzido por um grande nome que está sendo mantido em sigilo por conta do fechamento de contrato.

Na CCXP Awards, apenas as categorias ‘Filmes‘, ‘Séries‘ e ‘Games‘ contarão com uma subcategoria que irá premiar o melhor produto em escala global. Em todas as outras categorias e subcategorias, os concorrentes são 100% nacionais. Confira as categorias:

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Com distribuição da Paris Filmes, o trailer do thriller oferece ao espectador uma pequena amostra da situação de uma mãe que está em um dia de descanso e descobre que há um grupo armado na escola de seu filho. Há 8 km de casa e sem conseguir falar com o adolescente, a história piora quando ela consegue falar por telefone com os sequestradores. O trabalho da polícia e a segurança de seu filho estão em risco.

A maior agonia do espectador é vivenciar os momentos da mãe em tempo real, em uma área rural com pouco sinal de celular e sem notícias de seu filho. A direção é de Phillip Noyce (Salt, Perigo Real e Imediato, O Colecionador de Ossos).

Sinopse: Enquanto sai para correr, AMY CARR (Naomi Watts) tenta escapar do que é sua corrida diária. Ao seu redor não há nada além de uma estrada rural durante o raiar do dia. Tudo está em silêncio, nada além de paz de espírito enquanto ela se exercita, até que uma chamada de celular inesperada a paralisa. Seu mundo desaba enquanto ela está a quilômetros de casa. Ela descobre que há um atirador na escola de seu filho. Como está muito longe de casa ou da área de informações dos pais, ela faz o que pode para proteger seu filho e lidar com a situação enquanto tenta encontrar o caminho. Sua persistência a leva a ter contato direto com o atirador e fornecer informações muito necessárias antes que a polícia possa entrar na escola. O filme se passa em uma pequena cidade, acontece em tempo real e se desenrola predominantemente em uma estrada rural, enquanto a protagonista tenta manter seu filho adolescente seguro.

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Na história, uma família sul-coreana se muda para o interior em uma área rural durante os anos 80. O objetivo é transformar a área em uma fazenda para que esse seja o sustento da família.

Minari foi indicado a vários Oscars, premiando a atriz Youn Yuh-Jung na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante.

O SONHO AMERICANO

Minari pode ser considerado um filme “parado”, os acontecimentos são lentos, bem como é a vida da família. Jacob (Steven Yeun) e Monica (Han Ye-ri) se mudaram da Coréia do Sul para os Estados Unidos com a intenção de melhorar de vida. Com um novo objetivo, a família toda se muda para a zona rural. Primeiramente, Monica não está certa das decisões do marido, mas vai levando a vida como pode.

Além disso, todos passam por alguma dificuldade. Jacob quer provar que consegue ser um marido e pai melhor. Monica tem dificuldades em expressar o que quer, colocando os outros acima dela mesma. Já o menino David tem um problema de coração. As relações claramente estão abaladas pelas dificuldades que eles enfrentam.

O filme é, então, além de uma busca pelo sonho americano, como também a busca pela superação. Vários problemas são colocados no caminho da família e é se mantendo juntos que eles conseguirão superar os obstáculos. Demora um pouco, porém, para que os personagens percebam isso.

A BUSCA POR UM LAR

A sensibilidade do filme é cativante. Percebe-se que o diretor tem um carinho grande por sua história. É algo notável na sua forma de explorar seu roteiro. Apesar de ser sobre uma família coreana, Minari é em sua essência, uma história humana. Ela pode cativar tanto coreanos, quanto americanos ou qualquer pessoa de qualquer nacionalidade.

A busca por um lar, um lugar aonde sejamos aceitos é algo universal. É interessante notar que o filme é em sua maior parte falado em coreano. Além de falar em coreano, vemos todos da família tendo suas dificuldades de se adaptar a esse novo lugar. Cada um lida de formas diferentes com o que vai acontecendo.

Monica é quem tem mais dificuldades de falar inglês. Ela é muito ligada a sua cultura, tanto que ela pergunta sobre outros coreanos da região. Ao mesmo tempo que quer manter suas raízes, ela também quer fazer desse novo lugar o seu lar. Ela se adapta a outras crenças, como quando ela insiste em ir a igreja.

Jacob tem facilidade de lidar com outros americanos, se encaixando bem nesse novo lugar, mas tem dificuldades de realizar o que quer. David é quem mais fala em inglês, já que é o mais novo. As dificuldades que ele passa são devido a sua condição e também as diferenças físicas que as outras crianças veem nele. Enquanto isso, sua irmã, se adapta a todos, fazendo as vontades da família e cuidando dele.

O que muda a dinâmica da família é a chegada da vovó Soon-ja.

MINARI E A CULTURA

Além da direção, fotografia, trilha sonora e a atuação de Steven Yeun, o grande destaque é a Youn Yuh-Jung. A atriz rouba a cena e é um ponto de virada no filme. É ela traz ainda mais das tradições de volta para a família. Ela que causa um desconforto em David, que acha que ela não é uma avó de verdade.

Ela traz suas tradições e vem de uma história de sofrimento, pois perdeu o marido na Guerra da Coreia. Mas fora isso, ela não aquela típica senhorinha asiática. Soon-ja é desbocada, não sabe cozinhar nem assar biscoitos, algo que David pede para que ela faça. Ela quebra as expectativas do garoto e as nossas.

Algo importante no filme é o seu nome. Minari é uma planta típica da Coreia do Sul. Soon-ja traz algumas mudas da planta e escolhe um lugar aonde plantá-las. Ela se tornará muito importante ao fim do filme.

As adversidades vão colocando a prova a família toda, mas é interessante de notar que através das dificuldades é que cada um vai se expressando mais. David vai entendendo melhor sua avó e cria uma forte ligação com ela. Monica consegue dizer finalmente como se sente para Jacob. David começa a se recuperar de sua doença. E o mais importante acontece para o fim do filme.

Depois de passar por um derrame, a vovó fica muitas vezes fora de si, o que leva a ela causar um incêndio que destrói a colheita de Jacob. É uma tragédia, mas uma tragédia que evita uma ainda maior. No meio do perigo, Jacob deixa de lado sua obsessão pela plantação e salva Monica do meio do fogo. David, vendo sua avó caminhar sem rumo, corre atrás dela, deixando de lado o medo de correr. É, inclusive, a cena mais emotiva do filme e aonde a atuação de Youn Yuh-Jung brilha. Ela foi de uma personagem cheia de personalidade para uma pessoa com o olhar perdido.

No fim toda essa tragédia ajuda a família a se aproximar de novo. Monica aparentemente decide ficar com Jacob na fazenda e ele e David encontram a plantação de Minari. Além da planta ser uma representação da Coreia, ela significa também um recomeço e a adaptabilidade em frente as dificuldades. David e Jacob começam a colher a planta e isso dá uma sensação de recomeços.

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O grande vencedor do Oscar desse ano. Levou o prêmio nas categorias Melhor Filme, Melhor Atriz e Melhor Direção. Chloé Zhao, inclusive, se tornou a segunda mulher a receber esse prêmio.

CONTEXTO HISTÓRICO

Para entender melhor o filme, precisamos entender o que estava acontecendo nos EUA. A Grande Recessão decorreu do colapso do mercado imobiliário dos Estados Unidos em relação à crise financeira de 2007-2008 e à crise das hipotecas.

A personagem Fern, então, sem ter aonde morar, decide virar nômade. Sua vida consiste em ter empregos temporários e vagar por diversas cidades. Sem ter um lar fixo, ela conhece diversas pessoas pelo caminho. Experienciamos a vida nômade através de seus olhos e também de outras pessoas que estão nessa mesma situação.

A solidão é grande e é uma vida melancólica, mas também de diversas amizades e conexões pelo caminho. Fern perdeu o marido e vive sozinha em seu trailer. Mas também possui diversos conhecidos e cria amizades que se encontram, desencontram e reencontram de novo durante a vida na estrada.

Isso é muito bem representado pela fala de um personagem que diz que ele pode se despedir das pessoas, mas que em algum momento eles se reencontrarão. Isso vale também para as pessoas que perdemos durante a vida.

PESSOAS REAIS

A grande sacada de Nomadland e um destaque da direção de Chloé Zhao é o fato de o filme usar pessoas reais e não atores profissionais para contracenar com Frances McDormand. O filme é de uma realidade incrível, poderia até ser um documentário sobre essas pessoas.

Dirigir pessoas reais não é algo fácil, ainda mais pessoas que não tem experiência com atuação. Combinar isso com uma atriz habilidosa requer muito cuidado e atenção.

O fato de o filme mostrar muitas histórias reais e simplesmente documentar a vida de Fern na estrada, o filme pode parecer não ter história. Mas tem. Só é um filme que não tem início, meio e fim definidos. É simplesmente um recorte da vida de Fern e um vislumbre do que pessoas nômades reais passam.

Junto de pessoas reais e não atores, a atuação de Frances McDormand se destaca e ao mesmo tempo se mescla com as “atuações” das pessoas que estão em cena com ela. A atriz, inclusive, passou um tempo isolada, fora dos holofotes, para se preparar para o papel. Algo que é possível notar em sua atuação. É de uma verdade incrível e de uma melancolia que nos atinge muito. O grande destaque do filme é mesmo a atuação e direção, mas também tem uma fotografia muito bonita.

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SINOPSE

Carter é um designer gráfico que, depois de passar uma noite com uma jovem, quer voltar para casa e encontrar seu cachorro, contudo, a tarefa simples se mostra mais complicada do que parece. Carter é morto repetidas vezes por um policial branco, ficando preso em um looping temporal, acordando sempre no mesmo dia para reviver sua morte.

O filme possui 29 minutos e está disponível na Netflix. Além disso, Dois Estranhos está indicado ao Oscar 2021 de Melhor Curta Metragem de Ficção.

INOVANDO O CLICHÊ TEMPORAL

Essa premissa de uma pessoa reviver um dia de novo e de novo não é original. Mas o filme consegue usar muito bem essa premissa para trazer ainda mais atenção a um tema muito importante. Claramente inspirado pelo movimento Black Lives Matter e o assassinato de George Floyd, Dois Estranhos resume muito bem a situação pela qual os Estados Unidos passaram no ano passado. Não só no ano passado, claro. O racismo sistêmico e a violência policial sempre existiram e continuam existindo. A perseguição da polícia está escancarada no filme.

Ao sair do apartamento da namorada, Carter para na calçada, acende um cigarro e mexe em sua mochila. Dela caem um maço de dinheiro dele e Carter esbarra em um estranho. Tudo isso é suficiente para chamar a atenção de um policial, que aborda a personagem fazendo várias perguntas. Por fim, acaba o matando.

Depois disso, Carter acorda sempre no mesmo dia e morre de diferentes formas. Não importa a ordem em que acontecem as coisas ou o que ele faz de diferente, o policial sempre o mata. Depois que percebe a situação, Carter faz de tudo para evitar sua morte. Até mesmo conversar diretamente com o policial, mas nada adianta. Vemos aí que, na maioria das vezes, mesmo conversando com essas pessoas, o preconceito delas não muda.

UM CICLO INQUEBRÁVEL?

O fato de o protagonista reviver várias vezes o mesmo dia tem um significado ainda maior no contexto desse curta. O looping temporal não deixa de ser um looping do que acontece todos dias. Todos dias vemos notícias de assassinatos de pessoas negras pela polícia.

Em Carter está cada pessoa que perdeu sua vida para a violência policial. Carter vive o mesmo dia sempre, pois é como se todo dia fosse o mesmo, de verdade. Vemos que nada muda. Nenhuma forma de evitar o que acontece funciona e Carter sempre acaba morrendo. É isso que acontece, dia após dia, com vidas negras.

Algo interessante de se notar, e algo que fiquei pensando muito depois de ver o curta, é que, no filme, só quem tenta mudar a situação é Carter. Nenhuma terceira pessoa interfere no que acontece. Estaria aí a solução? Não seria essa uma forma de quebrar o ciclo do racismo? Se uma terceira pessoa tivesse interferido na situação, tentado ajudar Carter, conversar com o policial, será que algo de diferente aconteceria?

Cabe a todos nós fazer algo para tentar quebrar esse ciclo. Somente ficando de braços cruzados, sem agir, estamos sendo coniventes com o racismo. Nada mudará se não fizermos nada.

“É ASSIM QUE AS COISAS SÃO”

O curta termina com uma bela homenagem a todas as vidas negras perdidas graças ao abuso de poder de policiais brancos. Além de George Floyd, vemos diversos nomes, de pessoas que não estavam fazendo nada de errado. A única coisa em comum: a cor de suas peles.

Carter fala diretamente com o público, olha para a câmera desafiadoramente, e diz que voltará para casa. É triste, pois sabemos que, como várias outras pessoas, Carter não chegará em casa.

Dois Estranhos usa muito bem a situação atual dos Estados Unidos e do mundo para chamar ainda mais atenção ao movimento Black Lives Matter e escancarar mais ainda a violência policial.

O filme termina com uma música “The way it is”, com um trecho que diz: é assim que é. Algumas coisas nunca mudarão. A música toca enquanto na tela sobem os nomes das vítimas da violência. Fica o questionamento se realmente as coisas um dia mudarão ou não. Toda a letra da música combina com o que acontece no curta e nos deixa pensativos.

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