Sim, uma criança de 4 anos morar sozinha é algo estranho e os personagens do anime reagem com surpresa e se preocupam com isso. Até o episódio 4, há apresentação de mais 3 vizinhos do Kotaro: Karino, um mangaká; Mitsuki, uma acompanhante em clubes noturnos; e Isamu, um membro da Yakuza.

Vale ressaltar que o anime levanta temas sensíveis como bullying, rejeição, violência e abandono parental, que podem afetar muitas pessoas.

Os personagens e suas relações com o Kotaro

Dos vizinhos, o que tem mais destaque certamente é o Karino, que por esses 4 primeiros episódios se mostra como uma figura paterna para o Kotaro. Inicialmente, o Karino acha o Kotaro estranho por estar morando sozinho e falar de uma forma muito complicada para uma criança, e pensa que vai ser um vizinho complicado.

Ao assistir o noticiário, tem uma notícia sobre uma criança sequestrada e pensa “os adultos de hoje em dia estão muito negligentes”, percebendo que fez o mesmo, corre atrás de Kotaro que tinha saído sozinho para a rua.

A Mitsuki seria como uma irmã mais velha e o Isamu como um tio chato que quer fazer carinho, mas o Kotaro rejeita.

O Kotaro é uma figura muito interessante. Em sua primeira cena, comprando lenços humedecidos numa loja de conveniências, utiliza uma linguagem muito complicada para uma criança e demonstra uma seriedade profunda. Em seguida, compra uma espada de brinquedo com a desculpa para si mesmo que é para se proteger de algum eventual perigo.

Uma cena que demonstra perfeitamente o Kotaro, uma criança que passou por muita coisa que a fez amadurecer muito rápido em vários aspectos, mas que ainda tem seu lado inocente e não tenta reprimi-lo.

A estrutura dos episódios

A Netflix disponibilizou todos os 10 episódios de uma vez e cada um deles é divido em pequenas historinhas. Eu acho interessantíssimo como o anime transita entre uma cena fofinha, para algo extremamente pesado. Porque ainda se trata de uma criança de 4 anos tendo que morar sozinha.

Vemos o Kotaro brincando e divertindo-se várias vezes, mas as situações rapidamente mudam para “wow, que coisa triste” antes que o espectador perceba.

O anime faz isso com maestria. A mudança de tom é natural, os momentos leves e felizes não parecem de um anime completamente diferente dos pesados e tristes.

Considerações finais

Meu plano era de ver o anime todo para escrever esse texto, mas depois de passar 1 hora chorando por causa do episódio 4, eu percebi que não vai me fazer bem ver tudo de uma vez. E eu recomendo isso a todos que forem ver, não assista tudo de uma vez, vá num ritmo lento para poder absorver tudo direitinho.

Kotaro certamente é um dos melhores animes que eu vejo em muito tempo. A animação e estilo artísticos dele podem não ser os mais bonitos, mas funcionam muito bem para a obra.

Uma palavra que define a relação dos vizinhos com o Kotaro: encantador. Pelo Karino ter mais foco, vou falar pelo ponto dele, mas inicialmente ele preocupa-se com o Kotaro por “uma criança de 4 anos sozinha, tenho que cuidar”. Ao longo do desenvolvimento da relação entre eles, esse sentimento passa para uma preocupação genuína pelo Kotaro em si, não apenas por ele ser uma criança.

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O Rikuo leva a vida de qualquer jeito, trabalha em meio período numa loja de conveniências para pagar as contas, mentindo para si mesmo que uma hora vai procurar um emprego integral que ele se qualifique. Mas meses se passaram desde o fim da faculdade e ele não se moveu para isso.

O quadrado amoroso

O tema do romance perpassa por todos os episódios de Yesterday. O Rikuo gosta de sua antiga colega de faculdade, a Morinome Shinako. Por sua vez ela está presa a seu falecido namorado do ensino médio.

A Shinako se tornou professora e na escola em que ela dá aula, se matricula Hayakawa Rou, o irmão mais novo de seu ex. Rou foi atrás da Shinako por estar apaixonado por ela.

Por fim, a melhor garota, Nonaka Haru, uma jovem que abandonou o Ensino Médio, por não aprovarem seu emprego num café/bar. Apesar de ela não trabalhar em horários que servem bebidas alcóolicas. Ela, por alguma razão, apaixona-se muito pelo Rikuo, sempre o visitando na loja de conveniência.

O “Slice of Life” em Yesterday

Yesterday é pé no chão, e isso incomoda. Porque muitas das situações retratadas e ações dos personagens podem ser vistas no mundo real.

Eu mesmo olhei para o Rikuo e pensei que se eu levar a vida passivamente eu posso acabar do mesmo jeito, sem ir atrás do que eu quero.

A Shinako dá raiva em várias reações e atitudes dela, mas nenhuma delas é irreal. Para todas elas são possíveis acreditar que alguém poderia fazer isso, ou mesmo conhecer alguém que fez.

Uma temática central abordada em Yesterday é “o que fazer da vida”. A Shinako já está estabelecida profissionalmente, mas a vida pessoal dela é um caos. O Rikuo ao longo da obra decide abraçar sua paixão em fotografia. O Rou investe no cursinho de artes para tentar faculdade na área. A Haru presa por sua liberdade, mas em certos momentos isso entra em conflito com as dificuldades de morar sozinha

Pontos a se considerar

Do quarteto principal de Yesterday, o Rou é o mais apagado. O drama inteiro dele gira em torno da Shinako, a relação dele com o Rikuo, quando acontece, se baseia na competição pelo amor da Shinako. E se ele interagiu com a Haru mais de duas vezes, no anime, eu fico surpreso.

Enquanto os outros personagens tem seus dramas que envolvem os outros, mas também a si mesmos e suas relações com o mundo.

O anime tem 11 episódios, o mangá tem 11 volumes, não capítulos, volumes. O ritmo apressado se mostra evidente em muitos episódios e eu tenho muita curiosidade para saber as histórias que foram cortadas, porque sem sombra de dúvida, muita coisa ficou de fora da adaptação

Yesterday está disponível na Crunchyroll.

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Conflituosa. Uma palavra que define muito bem a relação dos protagonistas no início do filme. Mas após ela pedir para ele a levar ao mar, os dois criam um laço de afeto um para com o outro.

Tsuneo trabalha em uma loja de mergulho por gostar muito do mar, além de seu sonho de estudar vida marinha no México. O que para ele foi um momento de “fraqueza” ajudar alguém que ele não gosta por ela querer ver o mar. Para ela foi o primeiro momento em que ela realmente exprimiu um de seus desejos e que queria a ajuda dele, apesar da forma como expressou isso.

Os Tigres

A avó de Josee sempre diz a ela que as pessoas são más e por isso deve ficar em casa. Em um passeio noturno delas, pois teria menos gente, a gente Josee é empurrada ladeira abaixo por alguém, mas foi, felizmente, salva pelo Tsuneo.

No passeio para o mar dos dois, Josee se depara com pessoas horríveis que a desprezam e a destratam, ficando mal e com muito medo. Entretanto, ela encontra pessoas que gentilmente a ajudam, pessoas que n]ao a tratam de forma diferente por ela ser cadeirante. Assim, percebendo que, no geral, pessoas não são tão assustadoras assim.

Então, o “Tigre” são pessoas? Não! O “tigre” é uma metáfora para os medos ou obstáculos pelos quais nós passamos em nossas vidas.

A questão das pessoas com deficiência em Josee to Tora

Em Josee to Tora to Sakana-Tachi, os temas envolvendo PCD não são centrais. Essa temática aparece na obra centrada na Josee sobre sua vida e suas dificuldades, mas isso obviamente envolve ela ser cadeirante.

Não é sobre as dificuldades desse grupo e como é visto e tratado socialmente, como uma pessoa de fora passa a enxergar essas questões e causar reflexão no público, mas é sobre a Josee e a relação dela com o Tsuneo.

Eu considero isso uma ótima qualidade do filme. Apesar de sim, gerar reflexão sobre o tema, nem todas as histórias que envolvem algum grupo social, precisam, necessariamente, ser sobre o grupo. Porque mostram que sim, isso é uma parte importante da vida dessas pessoas, mas a vida delas não gira em torno disso.

Dito isso, uma ótima história sobre um grupo é Yankee-kun to Hakujou Girl, que traz várias problemáticas e reflexões sobre pessoas cegas. E um pouco também sobre como a aparência não define o interior de uma pessoa. Além de ser um romance muito fofo.

Comentários finais

Eu pensei que ficaria mais triste com Josee to Tora. Eu vi o clipe musical dele com a música do Eve, quem cantou a primeira abertura de Jujustu Kaisen, e pensei “eu preciso ver isso e chorar muito”. Acabou que eu não chorei, o que não significa que não seja triste, é e muito.

Há um momento em que a paleta de cores frias se torna mais fria, representando bem o estado mental da Josee, mas os tons claros e vivos voltam antes mesmo dela melhorar. Então apesar de num primeiro momento, essa tática ter sido interessante, não foi utilizada da melhor forma possível.

Josee to Tora to Sakana-tachi é um ótimo filme de drama e romance que vale seu tempo.

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Sinopse do mangá

Em primeiro lugar, vamos começar com a sinopse! De autoria de Ryukishi07, o enredo gira em torno de Maebara Keiichi, um garoto que se muda para a pacata vila Hinamizawa, e suas simpáticas amigas. Parece uma sinopse simples, de slice of life, não é mesmo? Porém logo no início da estória é que descobrimos que o vilarejo, tão tranquilo, esconde muitos mistérios, incluindo assassinatos, desaparecimentos e muito mais.

Entendendo Higurashi No Naku Koro Ni

Com a sinopse em mente,  vamos destrinchar Higurashi. A obra, na verdade, baseia-se em uma série de visual novels de mesmo nome. São ao todo 8 jogos, sendo os 4 primeiros considerados os arcos pergunta, com seus posteriores arcos resposta. E, assim como eles, o mangá contém 8 títulos que, para fazerem sentido, devem ser lidos na seguinte ordem: Onikakushi-hen, Watanagashi-hen, Tatarigoroshi-hen, Himatsubushi-hen, Tsumihoroboshi-hen, Meakashi-hen, Minagoroshi-hen e Matsuribayashi-hen. 

Dinâmica diferente a desse mangá, certo? Mas é ela que faz o mangá ser tão interessante! Isso ocorre pois cada arco pergunta apresenta mistérios que serão respondidos pelo seu respectivo arco resposta por meio de uma nova releitura do que foi visto. E tudo para que o leitor (e nosso protagonista) consiga finalmente entender a verdade sobre a vila. 

Além do mistério, a série também agrada quem curte um toque de horror, devido principalmente às mortes trágicas que ocorrem durante a narrativa. Por fim, mas não menos importante,  o traço é bem bonito e limpo. Mas o destaque vai para as expressões faciais, que entregam todo o sofrimento (e loucura) que os personagens sofrem ao longo dos capítulos.

Situação do mangá

Ao todo são 30 volumes divididos em 8 arcos. A notícia boa é que é um mangá finalizado. A notícia ruim, entretanto, é que não é possível encontrar o mangá no Brasil, apenas em sites como a Amazon. Porém em nossas terras se encontra disponível na Funimation o anime, ainda em lançamento. 

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O que acharam desse mangá misterioso? Comentem abaixo outros títulos bacanas para deixar o Halloween muito mais divertido!

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Sobre a Franquia

Revue Starlight é um projeto multimídia criado pela colaboração entre a Bushiroad, a Nelke Planning e o estúdio Kinema Citrus. Inicialmente, a franquia se iniciou com um musical teatral intitulado Shōjo Kageki Revue Starlight: The LIVE #1, o qual foi performado em setembro 2017. Sequencialmente, em 2018, lançaram 3 adaptações em mangá, assim como, um jogo para celular, e um anime de 12 episódios dirigido por Tomohiru Furukawa.

O foco desse texto será no anime, mas, acho de bom tom comentar rapidamente sobre o que eu vi além do anime.

• The LIVE#1: é confuso, muito corrido e eu não consegui me conectar as personagens que eu já gostava tanto. Por causa disso, eu não gostei, exceto por ver as dubladoras no palco atuando, isso foi incrível.
• The Show Must Go On: um mangá lançado em janeiro de 2018 que adapta a história da performance teatral. Achei melhor que o musical, mas ainda é fraco em comparação ao anime.
• Re LIVE: é um gacha de celular, comparado a outros que eu joguei, ele é bem generoso com recurso, até onde eu fui. A história dele se passa depois a do anime, o que me foi muito interessante. Eu gostei da jogabilidade, entretanto, quando precisei de memória no celular, ele vazou.

O Anime de Starlight

Starlight acompanha a história de Aijo Karen (dublada por Momoyo Koyama), uma garota animada que estuda na Escola Musical Seisho para ser uma atriz, com o intuito de um dia encenar junto a sua amiga de infância.

A introdução no primeiro episódio é muito boa. O básico das personagens e da relação entre elas são elementos passados de forma tão natural. Seja de como a Karen não tem energia ao acordar e precisa de sua colega de quarto para conseguir chegar cedo na escola, até de como a presilha de cabelo é importante para ela, essas coisas são passadas para o expectador antes desses detalhes serem expostos por falas.

Vale ressaltar a introdução da melhor aluna da turma, Tendou Maya (Tomita Maho). Toda a cena que estava acontecendo para quando ela aparece, a trilha sonora que havia se silenciado por um momento, retorna forte quando ela se apresenta, e seguindo ela as outras alunas se posicionam para o início da aula. Através da feição e tom de voz, a Maya passa uma sensação de orgulho e superioridade, e por meio da reação de outras personagens é visto que ela é um objetivo a ser superado.

As protagonistas fazem parte da 99ª turma da Academia Seisho, que, durante o festival escolar, irá encenar a mesma peça por todos os seus três anos no ensino médio, o que servirá como uma forma de ver como elas se aprimoraram durante esse período. A peça em questão se chama Starlight, que é a obra que fez a Karen se apaixonar por teatro e querer ser uma atriz.

Na metade do episódio,  Kagura Hikari (Mimori Suzuku), a amiga de infância da Karen acaba de voltar da Inglaterra e se transfere para 99ª turma. Apesar da animação de Karen por ver sua amiga, a Hikari age muito friamente com ela por muitos episódios. A Hikari é habilidosa e performa muito bem durante as aulas, mas lhe falta algo em sua atuação, algo que a Maya percebe, que a interpretação da Hikari carece de alma, de vontade, de brilho.

Brilho

Uma das maiores temáticas de Starlight é o “brilho” das personagens. Esse elemento representa coisas como se destacar em cima do palco, confiança, motivação, até mesmo uma representação dos laços que elevam as personagens.

O brilho de cada uma é algo que tange a série inteira. Perder o brilho é como morrer para o palco: perder o nervosismo de subir em cena, a emoção de cantar, não saber o porquê está ali.

Os embates do anime são lutas para roubar o brilho umas das outras para que seu próprio prevaleça e seja ainda mais radiante.

Esse tópico é também uma questão de ideologia. A Maya acredita que aquela que está no centro do palco é a que mais brilha, que há apenas uma estrela no palco e que para chegar a isso ela deve arriscar sacrificar tudo. Contrariando, assim, a motivação da Karen de querer estrelar junto à Hikari.

Rinha de Idol

Os visuais de Starlight são lindos. Antes de eu saber do que se tratava a obra, eu já havia me apaixonado pelos figurinos. Todavia, os cenários das lutas não ficam para traz, a cada luta um cenário novo que se encaixa tematicamente com o embate acontecendo e se moldando a vontade daquela que apresenta maior brilho.

As disputas de Starlight, as Audições, ocorrem no Teatro Subterrâneo da Academia Seisho. As 9 protagonistas lutam enquanto cantam, e tecnicamente dançam, com o objetivo de se tornar a Top Star e escolher seu Palco do Destino. Contudo, mesmo que seja um dos elementos mais importantes do anime, esse palco é algo abstrato, pode ser o que a pessoa quiser e quando ela quiser. Pode-se dizer, assim, que é o ápice da atriz, o momento em que ela mais brilha.

As lutas são muito bem coreografadas, e cada uma é bem única, não apenas por mudar as personagens participantes, mas também pelos cenários, as músicas e as temáticas que variam de embate para embate.

Considerações finais

Todas as personagens são bem divertidas e tem suas peculiaridades, o enredo é focado na Karen e na Hikari, mas no geral, todas elas têm seu arco e seu tempo de tela.

A história é fantástica e bem amarrada, apresentando vários mistérios desde o primeiro episódio. Por que a Hikari age da maneira que age e como isso está ou não ligado com a falta de alma na performance dela?; Quem é aquela coisa encarregada das Audições e quais seus objetivos?; O que tem de tão especial no 99º festival da Seisho?

Sem dúvidas Starlight fez eu me apaixonar desde o primeiro episódio e se tornou um dos meus animes favoritos. No entanto, da primeira vez que vi muitos elementos ficaram confusos para mim, até ver pela segunda vez e perceber que esses tópicos estavam sendo preparados ao longo da série, eu apenas não havia prestado atenção.

Starlight é uma série cheia de metáforas. Uma das principais é a Tokyo Tower, que não só é um símbolo de amizade entre as protagonistas, mas a torre também carrega significados: a recuperação do Japão pós-guerra (a recuperação da Karen para subir de novo no palco); e a representação um Japão renovado e ambicioso.

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SKET Dance é um mangá escrito e ilustrado por Kenta Shinohara, autor também do mangá Astra Lost In Space. A obra foi publicada na revista Shounen Jump entre os anos 2007 e 2013, totalizando 288 capítulos. Em 2009, a obra chegou a ganhar o prêmio de melhor mangá shounen do ano na premiação Mangá Shogakukan. Em 2011, a obra ganhou uma adaptação para anime pelo estúdio Tatsunoko. 

Analisando, Shinohara apresenta em sua obra fortes pontos de comédia e momentos dramáticos com o intuito de comover o espectador. Esses elementos podem ser classificados do gênero melodrama, onde acompanhamos os personagens de SKET Dance vivendo problemas do dia a dia, de uma forma às vezes cómica, mas que quando é mostrado mais o passado dos personagens, o tom da obra muda para algo mais sério. 

Portanto, trabalhar com esses contrastes pode ser uma tarefa difícil, onde se identificar com um personagem tão caricato pode muitas vezes não funcionar, ao mesmo tempo que, trabalhar com histórias dramáticas muito incomuns, com traumas muito fortes, também pode causar um afastamento do espectador. No entanto, ainda com esses elementos, Shinohara consegue criar uma história muito interessante para ser acompanhada e com personagens bem cativantes.  

Enredo de SKET Dance

SKET Dance se passa em um ambiente escolar, focado em um clube de apoio chamado “SKET Dan”. A sigla “SKET” significa Support, Kindness, Encouragement and Troubleshoot (traduzindo: suporte,bondade, incentivo e resolução de problemas). Portanto, a função deste clube escolar é resolver os problemas apresentados pelo corpo docente, e principalmente pela própria equipe do clube. No entanto, devido a sua reputação negativa, o clube ficou conhecido como um clube para pessoas desocupadas.

Desta forma, o clube possui uma má reputação e é composto por apenas três membros: Fujisaki Yuusuke, Usui Kazuyoshi e Onizuka Hime, os personagens principais do anime que são apelidados, em sequência, como: Bossun, Switch e Himeko. Portanto, é retratado em SKET Dance temas como bullying, identidade de gênero, reclusão social e delinquência juvenil. Esses temas são retratados de uma forma cômica, e outras vezes mais dramáticas.

O estilo do anime remete muito ao estilo de Gintama, obra de Sorachi Hideaki também publicada na Shounen Jump. Ambas obras trabalham com situações de uma forma cómica e acabam satirizando algumas obras da revista. Isso pode se dar porque Kenta Shinohara chegou a ser um dos assistentes de Sorachi na produção do mangá de Gintama nos primeiros anos de publicação. SKET Dance e Gintama também já tiveram um crossover.  

A comédia em SKET Dance

Como citei, SKET Dance trabalha com a satirização de animes e mangás, principalmente obras que eram publicadas na revista da Shounen Jump na época de lançamento da obra, como Naruto, Gintama, Bakuman e até Dragon Ball. É também satirizado os estereótipos dos mangás shounen, shoujo e outras demografias e gêneros dos animes. 

Portanto, SKET Dance tem uma proposta de trabalhar com a comédia pela maior parte do tempo em seu anime. Acompanhamos então os personagens em suas rotinas diárias no colégio, apenas convivendo no ambiente escolar ou ajudando os estudantes por conta do clube. Isso tudo com um tom levado à comédia. 

Outro ponto que ganha destaque são os personagens, inclusive os protagonistas. Os três protagonistas possuem personalidades bem destacadas, são personagens muito caricatos. Assim, falando um pouco deles, Bossun, o líder da equipe, tem essa personalidade completamente desajeitada mas que tem essa vontade de ajudar os outros. Os personagens brincam com ele pelo mesmo não parecer um protagonista de anime shounen, já que ele não parece ser forte, pois sempre é defendido por Himeko. 

Assim, Himeko é forte, sempre está lutando com aqueles que causam confusões contra o clube. No entanto, às vezes ela pode ser bem sentimental, em busca de sempre ajudar os outros, especialmente quando é um dos seus melhores amigos em problemas. Por fim, Switch é o cérebro da equipe. Ele se comunica através do seu notebook que ele sempre leva consigo. Ele odeia otakus, mesmo sendo um. 

O melodrama adolescente

Por mais que SKET Dance seja conhecido pela sua comédia, temos que comentar sobre os pontos dramáticos na obra. Primeiramente, então, os primeiros momentos de drama que são trabalhados na obra são os passados dos personagens. Começamos a entender que essas fortes personalidades que eles trazem consigo são, em consequência, por algum trauma que aconteceu no passado desses personagens.

O primeiro passado trabalhado é do personagem Switch, considerado um dos mais tristes. Consequentemente, acontece uma mudança brusca do gênero, saindo da comédia, dos episódios de esquetes, para mostrar um passado muito dramático. Logo, começamos a entender do porquê o personagem ter essas características que são apresentados no presente do anime, ou também por que ele usa o computador para se comunicar…

Toda essa proposta faz o espectador se impressionar. Acompanhamos um anime que a maior parte do seu tempo é trabalhado a comédia, fazendo que, quem está assistindo ter esse choque quando esses passados dramáticos são apresentados durante o anime. E ainda mais, são passados bem complicados, dificilmente são problemas que muitas pessoas já vivenciaram em suas vidas, diferentes de problemas rotineiros de animes do gênero slice of life, que são problemas mais comuns.

A proposta arriscada de Kenta Shinohara

Trabalhar com um enredo voltado à comédia pode ser bem arriscado. É bem comum muitas vezes os personagens, em animes do gênero, não serem desenvolvidos. Ou se forem, o autor precisa criar situações bem definidas para ter esse desenvolvimento exposto para o espectador. Dessa forma, Shinohara consegue fazer esse feito em SKET Dance. Muitas situações que o grupo SKET Dan precisa resolver, faz com que eles cresçam internamente. Assim, o espectador consegue criar uma certa empatia pelos personagens.

Mas essa proposta de empatia fortalece quando é mostrado o passado de cada um deles. É fortalecido que qualquer pessoa pode ter um trauma que é carregado por esses personagens. Mesmo sendo passados incomuns, ou seja, situações que dificilmente alguém já tenha presenciado, sentimos uma forte conexão com estes indivíduos. E um dos pontos mais interessantes é que, o trauma dos personagens não é mostrado sendo totalmente resolvido. No entanto, entendemos que o SKET Dan, para esse trio, é a resolução de seus problemas, para eles conseguirem seguir em frente. 

Portanto, trabalhando com dois gêneros de uma forma bem contrastadas, Shinohara consegue equilibrar sua obra ao ponto do espectador ter interesse ao acompanhar a trama. SKET Dance consegue ser um anime cheio de ensinamentos sobre a superação de traumas e momentos que podemos viver em nosso ensino médio, ao mesmo tempo que, acompanhar as relações de Bossun, Himeko e Switch também é um porto importante para a história, onde aprendemos como é importante as conexões que fazemos para conseguir superar nossos problemas. 

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