O álbum como um todo parece uma continuação do primeiro, pois segue fazendo o uso do mesmo estilo psicodélico de vozes sobrepostas em quase todos os vocais de Sean Lennon, algo também iniciado pelos Beatles desde Revolver. Porém alguns solos flertam um pouco com um rock mais pesado, e é interessante notar que a maioria das músicas estão falando sobre histórias reais de pessoas que tiveram ou alegavam ter algum envolvimento com o sobrenatural e o oculto.

AS FAIXAS DO ÁLBUM 

Blood and Rockets: Movement I, Saga of Jack Parsons – Movement II, Too The Moon mostra o quanto Sean herdou o talento do pai para contar histórias através da música, como em Norwegian Wood e Strawberry Fields Forever, sendo uma de escrita literal e a outra alegórica.  Uma curiosidade interessante é que todas as músicas são creditadas como sendo de Claypool e Lennon, assim como a tão conhecida dupla Lennon-McCartney. Blood and Rockets conta a história de Jack Parsons, um ocultista discípulo de Aleister Crowley e engenheiro de foguetes da NASA.

Em South of Reality temos a voz de Claypool e de Lennon sobrepostas nos vocais, seguida de uma guitarra e bateria bem viciantes. A letra fala sobre pessoas que se reuniram para observar o espaço/eventos astronômicos. Há também referência ao gato de Cheshire, de Alice no País das Maravilhas e a personagem LaFawnduh, do filme “Napoleon Dynamite,” de 2004.

Boriska conta a história real de um garoto russo chamado Boriska, que em 2007 era considerado uma criança genial, e alegava ter vindo de Marte para salvar o planeta Terra de uma catástrofe – entre outras coisas semelhantes.

Amethyst Realm é com certeza o rock mais pesado do álbum. Nela, é contada a história de Amethyst Realm, uma inglesa que alega ter tido relações sexuais com pelo menos vinte fantasmas. Sim, isso mesmo que você leu.

Cricket Chronicles Revisited: Part I, Ask Your Doctor – Part II, Psyde Effects, tem uma leve inspiração no estilo psicodélico indiano. A letra fala, com muito bom humor e sarcasmo, sobre os efeitos colaterais graves de um remédio psiquiátrico. A música é dividida em duas partes; a primeira é tocada e cantada, onde é falado sobre os efeitos colaterais, e o refrão repete: “pergunte ao seu médico.” Na segunda parte temos praticamente apenas um solo psicodélico, como se a mente do paciente já estivesse totalmente perdida.

Por fim, Like Fleas é a música mais pop e experimental do álbum, tendo alguns sons aleatórios ao fundo que se misturam aos vocais de Sean, que vão desde risadas até sons de circo que se parecem com buzinas de palhaços. A letra fala sobre a insignificância do ser humano em relação ao planeta Terra, e como catástrofes ambientais seriam capazes de nos sacudir “como pulgas nas costas de um cachorro,” como já sugere o título.

Já ouviu The Claypool Delirium? Gostou de alguma dessas músicas? Conta para gente e até a próxima!

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Durante as aulas à distância, tanto o aluno quanto o professor tiveram que se adaptar aos recursos tecnológicos para garantir maior qualidade na educação, por este motivo, o sistema tradicional de ensino acabou sendo ineficaz e a educação interativa se tornou um grande recurso para o ensino de jovens e crianças.

O QUE É EDUCAÇÃO INTERATIVA?

A educação interativa tem como característica uma metodologia que se baseia na contribuição da tecnologia para a formação do estudante, tendo como proposta uma maior interação entre o professor e aluno, afim de que ambas as partes consigam maior imersão no conteúdo abordado.

Essa imersão tem como principal objetivo a assimilação rápida, que permite que o aluno aprenda de maneira individual – mas sempre guiado pelo professor – e que essa evolução seja no seu próprio ritmo. Embora o ensino interativo use a tecnologia como base, ele não se resumo apenas a isso, visto que outras atividades sem esse recurso podem ser desenvolvidas dentro e fora de sala.

Dentre essas atividades estão: Jogos de RPG, visitas a museus e teatros, projetos em equipes e gincanas, o importante é que o aluno participe e troque experiências com seus colegas.

Para entender melhor o assunto, convidamos o professor e pedagogo, Luan Grego, que vai explicar neste podcast mais informações sobre o assunto e, aproveitamos a oportunidade também para chamar o professor de RPG, Jaime Daniel, para comentar do que se trata o RPG e como introduzi-lo na sala de aula e ajudar no aprendizado do aluno.

O RPG NO ENSINO ESCOLAR

Sendo um jogo de representação e interpretação de personagens, o RPG (Role-Playing Game) é muito mais que uma simples diversão quando se aplicado na educação. O RPG incentiva a criatividade, a participação, a leitura e a pesquisa de fácil aplicação em qualquer disciplina e conteúdos didáticos.

Assim como na educação interativa, no RPG o aluno se torna um participante ativo dos jogos e de seu aprendizado, escolhendo caminhos e tomando decisões orientadas pelo seu mestre.

O RPG ajuda na inteligência, imaginação, diálogo e colaboração em atividades em equipe, fazendo do momento um aprendizado com o plus da diversão. Por isso, o RPG é um excelente um instrumento didático de ensino/aprendizagem, que implica alterações de atitudes de professores e alunos, diante do jogo e a cada resultado.

Oficina de RPG no Sesc Ibirapuera-SP/Crédito: O Metagamer

Gostou de saber mais sobre este assunto? É de São Paulo e gostaria de aprender a jogar RPG? Então entre em contato com O Metagamer e divirta!

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Vale destacar que o filme é absolutamente fiel ao conto original, sendo que a única diferença que o filme é maior, tendo informações adicionais, que acabam por agregar mais conteúdo à história. Outra pequena diferença é que, diferente do filme, que segue uma cronologia, o conto de Brokeback Mountain transita entre passado e futuro. A história é contada por um narrador na terceira pessoa, o qual deixa bem claro que o protagonista da história é Ennis Del Mar, enquanto no filme ambos são protagonistas, tendo praticamente o mesmo tempo de tela cada um.

A HISTÓRIA

A história se passa na década de 60, no interior dos Estados Unidos, em uma uma região rural, religiosa e ultraconservadora nos costumes. Ennis Del Mar (Heath Ledger) e Jack Twist (Jake Gyllenhaal) são dois jovens cowboys de origem humilde – especialmente Ennis – que se conhecem logo após arrumarem um emprego de uma temporada como pastores.

O filme quebra estereótipos e está repleto de simbolismos. O próprio cowboy em si é um bom exemplo disso, já que sempre foi sinônimo de heteronormatividade e de todas as expectativas que a sociedade tem em relação ao comportamento masculino: brutalidade, ausência de sentimentos, uma carreira de sucesso, introspecção, virilidade, etc.

Uma das partes simbólicas se encontra no próprio emprego de pastor. Ambos cuidam de ovelhas, – animais que representam a pureza e a inocência, assim como o amor – protegendo-as de predadores como lobos e coiotes, que podem representar a perseguição e o preconceito da sociedade. Fora dizem que, nesse emprego, eles dividiam as tarefas como os casais da época, onde um deles ficava em uma tenda preparando refeições enquanto a função do outro era sair e vigiar as ovelhas do alto da montanha.

UMA HISTORIA DE AMOR

A relação surge gradualmente com o apego emocional, com Ennis – que tem uma personalidade muito introvertida e quieta – aos poucos conseguindo se soltar e confiar em Jack, que é o extremo oposto no quesito de personalidade. Daí em diante tudo flui de maneira natural, com o apego e o amor crescendo a cada instante e fica nítido que somente Jack é capaz de preencher um vazio que sempre parece o perseguir e que somente ele é o suficiente. E apesar das discussões e distanciamentos, esse sentimento apenas se fortaleceu ao longo do tempo. 

Depois da primeira noite de amor, uma ovelha é morta por um lobo, justamente por causa da falta de atenção naquela noite, o que poderia, metaforicamente, ser o prenúncio de uma tragédia, assim como a tempestade que castigou toda a região nos dias que se seguiram, como se o amor entre eles incomodasse até mesmo a força da natureza. 

Ambos foram demitidos após o patrão tomar conhecimento dos descuidos com as ovelhas e é válido dizer que a suspeita da sexualidade dos dois teve também bastante influência para essa decisão. Depois de perderem o emprego, eles seguem caminhos diferentes. Jack se casa com uma mulher rica e bem sucedida, e Ennis com a sua namorada de infância, com uma origem tão humilde quanto a dele.

Aqui as diferenças entre as classes sociais e os problemas inerentes a cada uma se tornam evidentes. Ennis tem que trabalhar muito e ainda assim seu salário mal dá para sustentar sua família, e Jack, com melhores condições financeiras, viajava quilômetros periodicamente para encontrar seu amado na Montanha Brokeback. Aos poucos, a insuficiência financeira de Ennis torna aos encontros cada vez mais difíceis, é quando surgem as frustrações e as brigas, por se encontrarem cada vez menos.

Os encontros sempre acontecem em meio a natureza, em ambientes abertos, ressaltando a pureza e a liberdade desses momentos. O exato oposto acontece nas suas vidas familiares, quando quase sempre estão em ambientes fechados e sufocantes, como se fossem verdadeiras prisões, destacando a falta de liberdade dessa vida cotidiana.

Ao longo do tempo fica muito claro – e isso também devido a diferença de personalidade dos dois – que Jack consegue aceitar sua sexualidade muito mais facilidade do que Ennis, que se vê preso à padrões de comportamento e vive assombrado por uma lembrança da infância, quando um homem da vizinhança foi brutalmente assassinado por suspeitarem da sua sexualidade. Quando Jack propõe uma alternativa, dizendo que ambos poderiam viver juntos em um rancho, esse trauma é o maior argumento e bloqueio de Ennis.

CONCLUSÃO

Brokeback Mountain é uma lição sobre vida, amor, preconceito e auto aceitação, onde os personagens falam por eles mesmos através de diálogos genuínos. Ela é uma história de amor entre dois homens, mas, acima de tudo, ela é uma história de amor universal. Uma história crua e humana, repleta de medos e inseguranças. Uma história que nos faz chorar e nos encoraja a amar de corpo e alma enquanto temos essa chance, por mais que as situações sejam adversas, por mais que o mundo inteiro esteja contra nós. Pois, no fim, só o que importa é que é justa toda a forma de amor, e ninguém jamais deveria se envergonhar disso.

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Em 2016 a banda estreou com o álbum “The Monolith of Phobos”, recebendo excelentes avaliações da crítica especializada e ganhando notoriedade entre muitos fãs de música indie. O álbum tem onze faixas, das quais se destacam “The Monolith of Phobos” – que leva o nome do álbum -, “Cricket and the Genie I & II,” “Mr. Wright,” “Boomerang Baby,” “Breath of a Salesman” e “Oxycontin Girl.”

ANÁLISE DAS FAIXAS 

The Monolith of Phobos poderia muito bem ser a trilha sonora de um filme de terror sci-fi que acontece no espaço. O som agudo do teclado em contraste com um solo de guitarra pesado faz parecer que algo muito grandioso está prestes a acontecer.

Cricket and the Genie I começa agitada como uma balada e a semelhança da voz de Sean com a do pai, John Lennon, nessa faixa é tanta, que chega a ser assustadora. O final da música é perfeitamente conectado com o início da próxima: “Cricket and the Genie II.” Essa tendência de músicas conectadas/divididas foi usada pelos Beatles em Abbey Road, mas, especialmente na carreira de Paul McCartney fora da banda.

Mr. Wright tem um pouco de inspiração no funk norte americano e fala sobre um homem velho e luxurioso com estranhas tendências ao voyeurismo.

Boomerang Baby é outra faixa em que os vocais de Sean se destacam pela incrível semelhança com Lennon. Um ouvinte desavisado poderia facilmente pensar que essa música se trata de uma faixa nunca lançada da era psicodélica dos Beatles.

Breath of a Salesman, nos seus primeiros segundos, parece que a qualquer momento George Harrison vai começar a cantar “For You Blue.”

Oxycontin Girl, assim como Cricket and the Genie I, é uma das faixas mais agitadas do álbum, e segue a estrutura de um conto, onde uma artista tem a sua vida arruinada pelo vício em drogas.

Menção honrosa: There’s no Underwear in Space, a faixa que encerra o álbum, é toda instrumental, como uma espécie de despedida, também muito semelhante a outro solo de guitarra dos Beatles: I Want You (She’s So Heavy), do Abbey Road e The Claypool Lennon Delirium consegue fazer isso de forma primoroza. 

Infelizmente, nem todas as pessoas são acostumadas a ouvir álbuns inteiros, por isso, essas músicas são como aperitivos para curiosos e apressados que estão em busca de uma sonoridade fresca e fora dos padrões do mainstream. Vale a pena conferir!

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A História

O filme começa contando a situação em que o irã se encontrava, com Pahlavi pedindo asilo para tratamento médico nos Estados Unidos – que foi o principal motivo da revolta – e a invasão a embaixada. Desesperados os funcionários retalham, quebram e destroem todas as provas do que estava sendo feito no local.

Durante a invasão, 6 funcionários conseguem escapar e se refugiam na casa de um diplomata canadense e é nesse momento em que a história de Argo é contada. O filme foca na retirada desses funcionários pela Central Intelligence Agency (CIA) que elaboram um plano de criar um filme falso para, assim, poder entrar no Irã.

Argo – O Filme 

A ideia foi dada por Tony Mendez (Ben Affleck) agente da CIA, que parte na busca de profissionais do ramo do cinema em Hollywood para a criação do filme de nome Argo, uma ficção científica com semelhanças a Star Wars e Planeta dos Macacos.

Para que conseguisse um meio de condução para a operação do filme houve o apoio do governo canadense, que concordaram em disponibilizar os passaportes com um “propósito humanitário” para que na chegada ao Irã eles não fossem confiscados. Com o apoio do chefe da CIA, Jack O’Donnell (Brian Cranston), Tony Mendez vai a busca de um script, conseguindo a ajuda do ator e produtor Lester Siegel (Alan Arkin) e do maquiador renomado John Chambers (John Goodman) que fazem um momento mais cômico durante o filme, fazendo piadas e deixando a atmosfera menos tensa para o expectador.

Juntos conseguem fazer uma coletiva de imprensa, o que ajuda com uma matéria sobre o filme, mas, em segundo plano, durante a falas narradas na coletiva, é mostrado os reféns da embaixada sofrendo diversas agressões e sendo mortos, cada um contextualizado as falas dos personagens na coletiva: o dever de salvar seu povo e garantir o sucesso da missão.

O Climax e o Desfecho ( Contém Spoilers)

O terceiro e último ato mostra finalmente Mendez encontrando os 6 americanos no esconderijo, relatando tudo o que deveriam fazer para pudessem sair o mais rápido possível de lá. Mas a cooperação de todos não foi de primeira e muito menos fácil.

Depois de muita determinação a fazer todos cooperarem, decidem, ir a um bazar no centro da cidade para a gravação do suposto filme. Houve muito tumulto durante a ida ao local o que resultou em medidas drásticas, tanto por parte da CIA que desistiu da missão, abandonando todos, para que caso fossem pegos, o nome da agência não fosse comprometido.

Entretanto, Mendez, não desiste e por sua própria conta e risco continua na missão, fazendo com que seu chefe, mesmo contra a vontade, o ajude. Durante a permanência no aeroporto, para o embarque ao Canadá, foram abordados pelo exército, causando atrasos, mas ainda assim conseguindo sair. Em meio a perseguições, tiros, o filme termina com todos sendo condecorados pelo ministro canadense.

Ficção x Realidade 

Mesmo com a imagens, mostrando os fatos e pessoas que realmente participaram da missão e da rebelião, o filme ainda dramatiza a situação, distorcendo os fatos no decorrer da trama, adicionando cenas que, de fato, não existiram. Um grande exemplo é o final em que durante a saída do avião ao aeroporto, a perseguição ao avião e o momento em que estavam sendo interrogados nunca existiram.

Na história real, eles foram ao aeroporto as 5h da manhã, quando os guardas ainda estavam sonolentos e pegaram o primeiro avião, sem nenhum momento de conturbação que o filme relata. A participação de alguns personagens foi causa de muita crítica, onde o embaixador canadense no Irã, Ken Taylor, critica a falta de participação de seu personagem na trama, alegando que foi ele que arquitetou a fuga dos reféns e que ele e o primeiro secretário da embaixada John Sheardown os esconderam em suas casas e que correram riscos que não foram em momento nenhum mostrados ao expectador.

Muitas críticas com relação ao que foi real ou não foram postas pela mídia, pedindo a Ben Affleck, que atuou e dirigiu o filme, que se retratasse e explicasse o porquê das escolhas do filme de tirar a importância do Canadá e dando todo o crédito a CIA. Affleck, no entanto, defende o que foi retratado pelo filme alegando que Argo revela um papel secreto da CIA, mostrando uma grande colaboração e cooperação fazendo um grande cumprimento para o Canadá.

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5º Lugar – Sachiko Fujinuma (Boku Dake ga Inai Machi)

Boku Dake ga Inai Machi é um dos melhores animes de viagem no tempo, com personagens profundos e uma história repleta de mistérios. E um deles é a mãe de Satoru Fujinuma. A sua inteligência é o grande marco no anime e toda a sua passagem na obra é fundamental na trajetória do protagonista, o proporcionando ensinamentos que faz o espectador se emocionar.

4º Lugar – Kyoko Honda (Fruits Basket)

Fruits Basket foi o grande destaque da temporada de primavera de 2021, com uma história fantástica de superação e amor. Kyoko Honda é o melhor exemplo disso, que após perder o seu marido, acaba encontrando em sua filha Tohru um porto seguro diante de toda situação. A sua trajetória foi tão marcante para obra que está previsto para este ano de 2022 um spin-off sobre a personagem.

3º Lugar – Kushina Uzumaki (Naruto)

Quando pensamos nas melhores mães dos animes, com certeza vem à mente a imagem de Kushina. Além de possuir uma personalidade marcante, ela consegue trazer para obra toda a força da mulher. As cenas em que aparece são de tirar o fôlego – às vezes de tanto rir – já que o seu jeito é bastante engraçado e cativante

2º Lugar – Yuriko Gouda (Ore Monogatari)

Ore Monogatari é um anime de romance que foge dos estereótipos tanto em seus personagens quanto na história em si. Yuriko Gouda é destemida e não pensa duas vezes quando se trata de ajudar o próximo, o que também se torna uma caraterística de seu filho. Ela traz a série um ensinamento sobre a empatia e simplicidade.

1º Lugar – Komi Shuuko (Komi-san Wa Komyushou Desu)

Que Komi-san Wa Komyushou Desu é sensacional, isso já sabemos. O anime faz uma ponte sensacional entre a introversão e extroversão e isso se perder a sua originalidade. Komi Shuuko é uma das melhores personagens dos anime de comédia, trazendo alegria para todas as cenas em que aparece e ganhando o nosso pódio de melhores mães dos animes.

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Nome: Como o Cérebro Cria

Data de Lançamento: 25 de abril de 2019

País de Origem: Estados Unidos

Direção: Jennifer Breamish e Toby Trackma

Classificação: +12 anos

Duração: 52 minutos

Sinopse: No documentário como o cérebro cria, o neurocientista David Eagleman leva o público a uma jornada para encontrar, desvendar e encorajar todos a serem mais criativos.

O Enredo

O foco do documentário são as suas entrevistas com pessoas de diversos ramos diferentes, como escritores, arquitetos, atores, cozinheiros, professores etc, explorando o processo criativo de cada um de maneira única. Pois, embora alguns temas sejam explorados repetitivamente, cada ponto de vista o faz ser visto de maneira única, criativa e individual.

Os principais entrevistados são:

D.B. Weiss – produtor e roteirista de televisão estadunidense e co-criador da série Game of Thrones, da HBO.

Tim Robbins – ator, diretor, roteirista, produtor e músico ganhador do Oscar como melhor diretor em 1996 e melhor coadjuvante em 2004.

Nick Cave – músico australiano, vocalista da banda de rock Nick Cave e Bad Seeds, compositor, autor, roteirista e ator de cinema.

Michael Chabon – escritor de contos americanos, ganhador do prêmio Pulitzer e showrunner da série Star Trek: Picard, um dos títulos de sua franquia de ficção científica.

Nathan Myhrvold – ex-diretor de tecnologia da Microsoft, co-fundador da Intellectual Ventures e principal autor de Modernist Cuisine.

Robert Glasper – pianista, compositor e produtor musical estadunidense quatro vezes ganhador do Grammy Award, seis vezes indicado ao prêmio Grammy e ganhador do Emmy Award de melhor canção original em 2017.

Bjarke Ingels – arquiteto dinamarquês, fundador e parceiro criativo do Bjarke Ingels Group, amplamente conhecido por edifícios que desafiam as convenções, incorporando princípios de desenvolvimento sustentável e conceitos sociológicos ousados.

Phil Tippett – diretor de cinema estadunidense, supervisor e produtor de efeitos visuais, ganhador do Oscar de melhores efeitos visuais com Star Wars: Retorno de Jedi e Jurassic Park.

David Eagleman segue perguntando para cada um sobre o processo criativo e como eles faziam para inovar as suas ideias. Em cada uma das repostas, ele questionava sobre como e o que fazer para descontruir todo esse processo, falando sobre workshops e ted’s talks e como é necessário deixar o pensamento de que a criatividade é algo como um dom e um privilégio de lado.

A Abordagem da Criatividade 

O neurocientista explica que na verdade a relação da pessoa com a criatividade se trata apenas de treino e, como tudo na vida, vai se aperfeiçoando com o tempo. Diante disso, o documentário explora a criatividade em nichos diferentes e mostra como cada área a tem como base, mas as pessoas acabam não fazendo essa associação.

Com isso, David mostra exemplos de como ela está presente na vida dos entrevistados e em suas empresas, assim, impulsionando ainda mais as pessoas a terem uma visão mais ampla no assunto tratado. Além disso, o questionamento sobre originalidade é abordado, já que ser criativo não é só criar algo novo, do zero, mas resinificar o que já existe.

Outro ponto tocado no documentário é a abordagem do fracasso, reforçando que os erros devem ser vistos como oportunidade de aprendizado e não como uma derrota.

Como o cérebro cria x O Dilema das Redes 

Diferente de outros documentários que falam da tecnologia como algo que atrapalha o ser humano a pensar ou até induz um pensamento errado e de forma coletiva, como é exposto no O Dilema das Redes (2020), como o cérebro cria da outra perspectiva da colaboração da tecnologia com o homem, nesse caso, com a criatividade de cada um.

Ao invés de incitar que o as redes sociais e meios de comunicação atrapalham essa busca por melhorar e aperfeiçoar a ideia, o longa mostra que, consumindo do jeito certo e tendo boas referencias, a pessoa consegue uma grande evolução pessoal e intelectual.

Conclusão

Como o cérebro cria não é um documentário que questiona ideias e o que é certo ou errado na hora de por em prática, ele apenas busca referencias em grandes artistas de empresários e os passa para o espectador de forma simples e encorajadora, sempre o incentivando a criar e pensar cada vez mais de forma inovadora.

Sendo assim, o documentário se torna obrigatório para quem deseja ou precisa de um incentivo intelectual e até pessoal – já que é algo prazeroso e motivador de se assistir – e ainda conta com um bônus de mostrar as diversas formas de ser ter um insight e como aprimora-lo através da auto-observação, prática e ótica sob o estudo do tema.

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Em parceria com o cineasta Martin Scorsese, diretor de Ilha do Medo (2010), Taxi Driver (1976) e Os Bons Companheiros (1990), o longa faz um ótimo trabalho ao mostrar a Paris dos anos trinta e com ajuda do design de produção, Dante Ferretti, todo o universo da obra é contemplado com uma ótima fotografia e trilha sonora.

A História 

O filme retrata a vida de Hugo Cabret, um menino órfão que mora dentro de uma estação ferroviária em Paris, onde aprendeu com seu pai a manipular máquinas e outros equipamentos tecnológicos, um deles o autômato que foi abandonado em um depósito de museu. Os mecanismos da sociedade moderna são o grande destaque da obra, com relógios, trem a vapor e o cinematógrafo que foi uma grande descoberta no século XX e se estabeleceu como uma nova arte.

A cidade é mostrada como se fosse uma fábula, com cores quentes, iluminadas e detalhes precisos de cada acontecimento da época. Além disso, o filme é também uma homenagem a George Meliès, um grande diretor que inovou os filmes da década, sendo um deles “A Viagem a Lua”, que foi considerado o primeiro filme de ficção do cinema.

A Homenagem ao Cinema 

A história de Meliès é mostrada além do cinema, em como foi toda a vida do diretor. Desde o começo, com a compra de um teatro para começar os filmes, o seu romance, as tragédias e superação da arte depois da segunda guerra mundial.

Ao contrário do título do filme, o protagonista não inventa nada e sim vive no anonimato, com medo do guarda da estação, em um grande relógio. Pois, além de abordar a criação do cinema, o filme aborda a orfandade de Hugo Cabret e de outros personagens.

Através de seus olhos, todas as histórias são contadas ao espetador, como a de Isabelle, uma menina apaixonada por literatura e por meio dela a vida de Hugo e Meliès se entrelaçam. Com uma vida furtos, sem querer, o protagonista acaba roubando o estabelecimento do grande diretor que já tinha desistido da dramaturgia para vender peças e outros objetos em sua pequena loja.

No momento em que o pega roubando, ele se depara com um caderno de anotações sobre o funcionamento da  máquina e isso o abala. Então, juntos, decidem concertar o autômato e depois de muito esforço conseguem encontrar imagens de uma lua, a mesma mencionada no filme do diretor.

Conclusão

O desenrolar da trama é de emocionar a quem está assistindo, com diversas reviravoltas na vida dos personagens, Scorsese, deixa um filme-biografia narrado de forma delicada, dando ao público a chance de conhecer mais sobre como o cinema começou e a vida de um grande diretor no mundo da sétima arte.

A invenção de Hugo Cabret está disponível legendado na plataforma da Prime Vídeo.

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A História

No decorrer da história, ambos acabam formando uma parceria e, através disso, é abordada a conexão entre as suas profissões. Em um dos casos, Ikuto precisa criar um novo modelo de vestido para que Chiyuki possa desfilar e, com isso, é mostrado à criação de um design e como a modelo precisa tirar proveito de cada detalhe na passarela.

Runway de Waratte quebra vários estereótipos ao falar sobre moda, começando na abordagem do estágio na área, revelando as pressões e exigências ao trabalhar no ramo. Por diversas vezes é mostrado às dificuldades e limitações do protagonista, de modo que ao mesmo tempo em que precisa lidar com as cobranças de seu chefe, ele se desafia constantemente para atender a alta demanda de peças da marca.

O Desfile

O ápice da obra acontece em um desfile de moda, em que o protagonista cria uma coleção de roupas com referências mundiais, abordando o conceito unissex e buscando unir estilos simples e rebuscados através dos tecidos utilizados.

Através de suas criações conseguimos ver a evolução do personagem e como funcionam as tendências e todo o processo criativo por trás dos bastidores. Nesse momento, Runway de Waratte mostra a sua originalidade com relação ao tema proposto e deixa que o espectador fique com um gostinho de quero mais a cada peça que é exposta.

Conclusão

Sendo assim, Runway de Waratte é uma obra prima para quem gosta de assuntos voltados a moda, além de contar com personagens cativantes e uma trilha sonora marcante, o anime tem uma conclusão fechada, mas que mantém uma sequencia em seu mangá caso o leitor queira saber mais sobre o futuro de seus personagens.

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Paul McCartney, que estava liderando o projeto – como já vinha fazendo há alguns anos – pretendia que o álbum tivesse 14 músicas, mas apenas 12 foram lançadas. Algumas dessas faixas remanescentes acabaram sendo aproveitadas no álbum seguinte, Abbey Road. Ainda assim, as músicas que não foram aproveitadas nesses últimos álbuns apareceram nos discos de estreia solo dos ex-beatles, como por exemplo, “All Things Must Pass” e “Isn’t a Pity” de George Harrison, “Gimme Some Truth” e “Jealous Guy” de John Lennon, “Junk” e “Teddy Boy” de Paul McCartney.

A Produção do Álbum

A ideia inicial era fazer com que os Beatles voltassem às suas origens, que era de gravar álbuns de estúdio ao vivo. Essa ideia também incluía uma apresentação ao vivo, coisa que a banda já não fazia desde 1966. Em termos atuais, todo o projeto seria um verdadeiro fan service e justamente por isso o álbum se chamaria Get Back, mas acabou tendo o nome alterado para Let It Be, pois os produtores acreditaram que este era o single com mais potencial entre todas as faixas, o que realmente acabou sendo comprovado.

Phil Spector foi o produtor responsável pelos arranjos e mixagens de todas as faixas do álbum. Mas apesar do sucesso, o resultado não agradou muito a McCartney, que acreditou que as edições estragaram a essência e o objetivo do álbum. Em outras palavras, Phil Spector complicou algo que deveria ser simples, o que não significa que o resultado final tenha sido ruim, mas o já conhecido perfeccionista, Paul McCartney – apesar de ser tido como chato por algumas pessoas – tinha razão neste caso.

Depois de muitos de briga na justiça, Paul finalmente conseguiu que o “álbum original” fosse lançado, dessa vez sem as mixagens extravagantes de Spector. O resultado foi Let It Be… Naked, lançado em 2003, um álbum que poderia ser bem resumido como “voz e violão”. Nele é possível notar a maestria dos Beatles não em apenas fazer música boa, mas em fazer excelentes apresentações ao vivo, fato que fez a banda se destacar desde que tocavam no Cavern Club de Liverpool e eram conhecidos como “The Quarrymen”.

As Faixas do Álbum

A primeira faixa do álbum é Two of Us, uma composição de Paul McCartney dedicada a sua esposa, Linda. Ela tem uma sonoridade pop-country e é muito nostálgica por trazer, depois de muitos anos, John e Paul dividindo o mesmo microfone – ainda que não literalmente. Os dois mantém o dueto durante toda a música, misturando a doçura da voz de Paul com a acidez na voz de John, tudo em perfeita harmonia.

Dig a Pony, composta por John, revela um pouco do seu amor – para alguns, obsessivo – por Yoko Ono, no verso “All I Want Is You” acaba soando um pouco semelhante à faixa “I Want You (She’s so Heavy)” mas que aparece apenas no Abbey Road. Aqui, quem está no teclado é Billy Preston, que fez praticamente um papel de quinto Beatle em todo o álbum.

Across the Universe, outra composição de John, é uma música remanescente da era psicodélica dos Beatles e isso é um fato tão notável que a sua sonoridade se encaixaria perfeitamente em Revolver, Magical Mystery Tour e The Beatles (Álbum Branco). A letra supostamente teria surgido 1968, depois de uma discussão – e crise existencial – de Lennon com a sua, até então esposa, Cynthia Powell.

I Me Mine é uma composição de George Harrison. A letra supostamente trata a respeito das brigas de ego dentro dos Beatles e na diferença que o George sentia entre o clima pesado da banda e a leveza de gravar com Bob Dylan e a sua banda. Aliás, a amizade entre eles era tanta que ambos chegaram a trabalhar juntos no disco duplo de All Things Must Pass, no qual George se inspirou muito em Dylan em algumas faixas.

Dig It é uma curta composição de John em homenagem a “Like a Rolling Stone” de Bob Dylan ao mesmo tempo que tira o sarro com a faixa seguinte, Let It Be, que é conhecida por ser muito religiosa e espiritual. As “músicas boazinhas” de Paul sempre foram alvos de piada, especialmente de John Lennon.

O Single Let it Be

Let It Be é uma das mais famosas músicas dos Beatles e de Paul McCartney, porém tem uma história um pouco controversa. Isso porque Paul alega ter sonhado com sua mãe que dizia “Let It Be”. Porém, há também outra versão que diz que a ideia veio de Malcolm Evans (um dos gerentes dos Beatles, mais conhecido como Mal Evans) que havia “sussurrado palavras de sabedoria” para o seu amigo Paul e ele teria dito “Let It Be”.

Essa segunda história é a mais provável, pois no take 23, que pode ser encontrado no YouTube, Paul canta o verso “Brother Malcolm comes to me” e mais tarde, Paul substituiu o mesmo verso por “Mother Mary comes to me”. No documentário Get Back, em um momento, Paul pensa em trocar o verso para “Brother Jesus” o que demonstra que o flerte com a temática religiosa era verdadeiro e proposital.

Let It Be é normalmente traduzido como “deixe estar, mas em uma tradução livre seria algo como “deixe ir, “deixe acontecer” ou “deixe passar”. Na verdade a letra é um grande conselho para deixarmos de nos preocupar tanto com os problemas da vida.

As Últimas Faixas

A próxima faixa, Maggie Mae, uma música composta pelos Beatles ainda na época em que eles eram conhecidos como The Quarrymen. Aqui ela aparece como uma grande homenagem ao início de carreira da banda.

I’ve Got a Feeling é um hard rock embrionário, com Paul mostrando em seus vocais que pode deixar de ser um cantor “bonzinho” quando bem entende. Essa música verdadeiramente é uma composição de Lennon-McCartney, já que a música foi criada a partir de duas letras distintas dos dois compositores.

One After 909 é uma composição de John Lennon desde o período dos The Quarrymen que nunca tinha sido usada. Ela resgata a sonoridade dos álbuns Please, Please Me e With The Beatles, causando um sentimento de nostalgia muito forte aos fãs.

The Long and Winding Road é uma composição exclusiva de Paul McCartney, que assim como Let It Be e mostra o quanto ele consegue criar melodias angelicais e espirituais como poucos compositores. Outra semelhança com a faixa já mencionada está no simples e brilhante piano e nos vocais serenos e tranquilos de Paul, como um grande conselheiro vindo do Céu.

For Your Blue é a segunda música de George no álbum, na qual tem forte inspiração no blues rock e no Bob Dylan, do qual era um grande admirador. A letra – assim como Something, que já havia sido composta, mas que apareceria somente no disco seguinte – é totalmente inspirada por sua esposa na época, Pattie Boyd.

Don’t Let Me Down, assim como I’ve Got a Feeling, é um rock um pouco mais pesado.  A composição é de John Lennon, onde claramente a letra é dirigida ao seu novo amor, Yoko Ono.

Get Back, como é bem mostrado no documentário de mesmo nome, é uma composição que Paul McCartney criou despretensiosamente a partir de uma brincadeira com o seu baixo.  A melodia ganhou vida e com isso veio uma letra que aparentemente fala sobre preconceitos contra imigrantes.

Assim se encerra uma das obras primas da maior banda de rock de todos os tempos.

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